Jay-Z este un colecționar remarcat al artistului stradal Jean Michel Basquiat. Băiat și câine într-un Johnnypump, 1982

De la stadioane la galerii, noua frontieră pentru mega vedeta pop de astăzi este o artă înaltă. Popularitatea în masă are farmecele sale - vânzări, turnee mondiale, legiuni de adepți - dar puterea artei care conferă moștenirea este acum semnul suprem al statutului cuiva în cultura occidentală.

Strigătul de raliu „mărturisește-mă, artistul” este noua mantră a regalității pop – de la Beyoncé, Jay-Z și Lady Gaga până la Kanye și chiar Rihanna. Totuși, este această îmbrățișare a artei înalte un fenomen care merită sărbătorit? Sau, ar putea fi văzut mai cinic, ca un caz de superstaruri care folosesc arta pentru a acorda credibilitate lucrării lor, sfidând propriul lor atractiu în masă?

Desigur, nu a existat niciodată o linie clară, de divizare între lumea pop și lumea artei – și de ce ar trebui să existe? Unii dintre cei mai creativi muzicieni din memoria recentă – David Bowie, Keith Richards, David Byrne, Brian Eno pentru a numi câțiva – au început să studieze sau să urmeze formarea în artele vizuale.

În Australia, membrii trupei anilor 80 Mental as Anything s-au întâlnit la școala de artă din Sydney, iar Nick Cave a studiat pictura înainte de a-și urma muzica. Mai recent, Sia, fiica artistului și lectorului de artă din Adelaide, Leone Furler, a devenit recunoscută pentru perucile uriașe care îi acoperă fața, vocea ei remarcabilă și videoclipurile sale artistice cu diverse colaborări de dans.

{youtube}KWZGAExj-es{/youtube}

Nici nu putem trece cu vederea fenomenul de art rock care a apărut în anii şaizeci. Unele dintre cele mai remarcabile momente de cotitură din istoria muzicii au fost atribuite întorsăturii artistice în lucrarea The Beach Boys' Pet Sounds (1966), The Beatles' Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) și albumul eponim The Velvet Underground & Nico (1967) sub influența scenei New York Factory a lui Andy Warhol.

{youtube}MBruudQ9bgE{/youtube}

În timp ce apariția conceptului albumului a luat loc în anii 70, pionierii erei videoclipului muzical – Madonna, Michael Jackson și chiar Prince – au înțeles posibilitățile vizuale ale cântecului pop mai bine decât mulți dintre contemporanii lor. Munca lor durează datorită amestecului său de muzică puternică și povestiri evocatoare prin videoclipuri precum Like a Prayer, Thriller și When Doves Cry.

Dar astăzi, povestea este diferită. O melodie, de cele mai multe ori, nu este suficientă. Acest lucru nu înseamnă că imaginea este totul, ci mai degrabă că miza cuiva în lumea pop depinde de noutatea muzicală și vizuală. Pentru liderii pop de astăzi, acest lucru înseamnă tot mai mult să ocoliți sălile de consiliu ale profesioniștilor de marketing în căutarea underground-ului artistic.

Fă artă din limonadă

Al lui Beyoncé album vizual de înaltă concepție Lemonade, de exemplu, îi duce pe ascultători într-o nouă formă îndrăzneață de povestire muzicală în stilul Prince's Purple Rain (1984), Moonwalker (1988) al lui Michael Jackson sau, poate mai recent, filmul de 35 de minute al lui Kanye West Runaway (2010) și Tropico al Lanei Del Rey. (2013).

{youtube}Jg5wkZ-dJXA{/youtube}

De ani de zile, Beyoncé a încercat în mod conștient să renunțe la personajul său Destiny's Child/Top 40. Limonada realizează asta. În egală măsură artă înaltă și de profil înalt, abordează personalul și politicul, singurătatea și fraternitatea și rănile emoționale ale infidelității pe fundalul rasei din America de astăzi.

O tapiserie de cântece, imagini și locații, Beyoncé o interpretează pe supraviețuitoare, o femeie în vindecare, care încearcă să se împace cu consecințele emoționale ale unei iubiri greșite. Cu măreție cinematografică, albumul înoată în imagini evocatoare ale puterilor misterioase ale naturii (care au atras comparații cu opera lui Terrence Malick), și narațiunile vorbite, inclusiv poezia scriitorului somalez din Londra, născut în Kenya, Warsan Shire.

{youtube}-gd06ukX-rU{/youtube}

Referințele la arta înaltă abundă. Beyoncé infamă secvență de mânuire a bâtei de baseball în piesa Hold Up aduce un omagiu muncii artistului elvețian Pipilotti Rist, a cărui instalație video din 1997 Ever is Over All înfățișează o femeie care mergea pe o stradă și sparge geamurile mașinii. Unii au acuzat-o pe Beyoncé de însuşire, mai degrabă decât tribut.

Anul trecut, au fost exprimate astfel de îngrijorări cu privire la videoclipul lui Drake pentru Linia fierbinte Bling care a fost izbitor de asemănătoare cu piesele de instalații luminoase ale artistului american James Turell.

Cu Beyoncé a colaborat și ea Artistul vizual nigerian Laolu Senbanjo, a cărui pictură corporală sacru caracteristici din film.

Adepții observatori de pe Instagram ai Queen Bey, între timp, vor fi observat semne la începutul acestui an ale contactului ei din ce în ce mai mare cu lumea artei înalte. În colaborare cu revista Urs Fischer și Garage, născută în Elveția, din New York (Ediția primăvară/vară 2016), Beyoncé și-a oferit părerile despre artă prin intermediul aplicației revistei. Pe coperta sa, ea a fost fotografiată cu cornrows, în mijlocul unui vârtej gros de pasteluri pictate de Fischer. În interviu, ea a discutat despre Andy Warhol și despre interesul ei pentru arta modernă, renunțând la unii dintre artiștii ei preferați (Tracey Emin, Kara Walker, Aaron Young și Donald Judd).

Ceea ce este interesant la această nouă perioadă a muncii lui Beyoncé este că ea s-a reinventat ca Benjamin Button al lumii pop – aparent devenind mai tânără, mai puțin burgheză și mai sfidătoare cu vârsta.

În timp ce cei mai mulți au îmbrățișat cu siguranță vocea ei nouă, împuternicită, alți fani, totuși, se întreabă dacă mai puțin complicat, radio-friendly Beyoncé se va întoarce vreodată.

Basquiat galben în colțul meu de bucătărie

În propria sa pledoarie pentru credință artistică pe albumul său din 2013, Magna Carta, Holy Grail, visele hipercapitaliste ale soțului lui Beyoncé, Jay Z, ies în prim-plan. În cântecul Picasso Baby, numele Jay lasă icoane ale lumii artei (Rothko, Bacon, Basquiat etc).

În omagiu adus însăși reginei artei performance-ului, Marina Abramovic, Jay și-a adaptat instalația MoMA (2010), Artistul este prezent – în care stătea șase zile pe săptămână, șapte ore pe zi pe un scaun pentru o „operă tăcută”.

Jay a făcut o performanță de șase ore a lui Picasso Baby la Pace Gallery din NYC. În videoclipul acestuia, regizat de Mark Romanek (care a făcut și videoclipul său „99 Problems” și este unul dintre regizorii Beyoncé's Lemonade), Jay rapează într-o cameră plină de lideri artistici și culturali atent selecționați, de la actorul/regizorul Judd. Apatow la regizorul Jim Jarmusch la artistul Andreas Serrano la Abramovic însăși.

{vimeo}80930630{/vimeo}

Atât Jay-Z, cât și Abramovic au fost în relații bune, până în un interviu cu revista Spike, ea l-a acuzat pe Jay că nu și-a îndeplinit finalul afacerii – și anume, o donație considerabilă pentru noul ei institut de artă performanță Marina Abramovic din nordul statului New York. Acordul născocit reciproc s-a transformat în o dezamăgire incomodă de PR pentru ambele tabere. (Oamenii lui Jay-Z au confirmat ulterior că, de fapt, a fost făcută o donație și Abramovic și-a cerut scuze pentru neglijarea.)

Ceea ce este unic (dar ușor previzibil) despre celebrarea lui Jay a lumii artei este felul în care fanteziază despre asta. Picasso Baby este mai puțin un omagiu adus artei mari de dragul artei, mai mult respect față de prada nesăbuită a vieții „bune”. Arta este adorată ca semn al puterii culturale și al bogăției extreme:

Basquiat galben în colțul meu de bucătărie
Haide, sprijină-te pe rahatul ăla Blue, ești tu.

În timp ce unii ar putea argumenta că Picasso Baby este un „hit de intrare” care deschide fanii mai tineri spre istoria artei, în cele din urmă, cântecul nu o îmbrățișează niciodată ca altceva decât „artă consumată de consumism”, așa cum a sugerat un comentator NPR.

Nu suntem departe aici de observațiile criticului cultural britanic Matthew Arnold din secolul al XIX-lea despre elitismul culturii înalte. Este apreciat, a scris el, din,

pură vanitate sau ca un motor al distincției sociale sau de clasă care separă deținătorul său ca o insignă sau un titlu, de alți oameni care nu l-au primit.

De la Queen Bey la Rhi Rhi

Recent, fata rea ​​din Barbadian Rihanna s-a aruncat și ea în jocul artistic. La cel mai recent efort al ei, Anti (2016), parteneriatele artistice sunt numeroase: artistă născută în Israel Roy Nachum și poet Chloe Mitchell a lucrat la notele de linie și au existat destui producători și scriitori pentru a-și angaja propria echipă de fotbal.

Artă de album pentru Anti (2016).

Single-ul principal, Work, a fost foarte așteptat și, în cele din urmă, un zgârietor de cap. Poftimirea ei cu Drake în videoclipul piesei a fost, probabil, sexy, dar a ratat misterul febril sugerat de halucinația foarte puternică Antigonă/Oedipală a lui. coperta art. (Pe album, o tânără Rihanna – cu ochii acoperiți de o coroană prea mare pentru capul ei – ține în mână un balon și este înăbușită de o pată roșie de sânge pe care nu o poate vedea).

Cu melodii precum Woo și Work, există o deconectare flagrantă între muzică și imagini. Se poate spune că Rhianna pare să înoate în ape artistice mult peste cap și nu o satisface Top 40 de fani.

Totuși, videoclipul recent lansat pentru Needed Me, (regiat de indie art renegade Harmony Korin) are o Spring breakers se intalneste Scarface îl întâlnește pe Viceland în documentarul din Miami, făcându-l pe Korine complicele perfect la turnura nihilistă a Rihannei. Cu o poveste simplă, dar diabolic de întunecată, Rihanna o interpretează pe ucigașul elegant și sălbatic, având grijă de afaceri în singurul mod în care știe ea.

Pablo face Picasso

Kanye West dansează în timpul prezentării colecției sale de modă în timpul Săptămânii Modei de la New York 2016, care a fost și o petrecere de ascultare pentru albumul său „The Life of Pablo”. REUTERS / Andrew Kelly

Apoi mai este Kanye. Piesele insuportabile „gândiți” de pe cel mai recent album al său, The Life of Pablo (2016), colapsurile Twitter și ego-mania au atins nivelul maxim de decibeli, dar trebuie menționat că, în calitate de fost student la școală de artă, Kanye întruchipează „copilul”. -ca curiozitatea” despre care filozoful german Frederick Nietzsche o discută cu atâta drag în multe dintre aforismele sale despre artă și creație.

În interviuri, s-ar părea că nu își poate pune visele pe hârtie – sau în fabrică – suficient de repede. El a sugerat, de asemenea, că picturile lui Picasso, Matisse i-au inspirat opera. Într-un interviu din 2013 În spatele măștii lui Kanye cu The New York Times, discutând despre dragostea sa recentă pentru istoria arhitecturii, el se referă la sine drept „un minimalist în corpul unui rapper”.

Idolii de artă din West sunt un amestec unic de artiști/inovatori europeni și americani (Walt Disney, Steve Jobs, George Condo, Pablo Picasso, Marco Brambilla, Vanessa Beecroft, doar pentru a numi câțiva – și să nu uităm colaborarea sa cu artistul japonez Takashi Murakami). fie în perioada de absolvire).

Pentru o colaborare recentă cu regizorul Steve McQueen, West a vorbit despre având opera sa văzută în primul rând ca artă, adăugând:

Mi-aș schimba toate premiile Grammy – sau, poate, două Grammy – pentru a putea fi într-un context artistic.

Pentru noul său album, a colaborat cu relativ necunoscut Artistul belgian Peter de Potter pentru coperta art. Influențele artistice ale Occidentului, gusturile în materie de modă (Givenchy, Balmain, Raf Simons) și interesele pentru design, (The UK's Daily Mail l-am prins întorcându-se de la o întâlnire cu IKEA în Suedia la începutul acestei luni), sugerează un spirit de explorator și un sentiment de experimentare creativă autentică.

Vanessa Beecroft, unul dintre colaboratorii lui West pentru piesele sale recente de modă/performanță (prezentările de modă Adidas Yeezus, turneele Yeezus și unele proiecte Art Basel) a vorbit pozitiv despre libertate artistică pe care o permite proiectelor lor. Într-adevăr, moda americană a fost revitalizată doar de stilul său de stradă. Considera formație de o săptămână în afara oricărui magazin care lansează noi ediții ale pantofilor săi Adidas Yeezus.

Căutarea neobosită a Westului pentru perfecțiunea artistică și noi forme de expresie vizuală este un semnal de trezire binevenit pentru lumea din ce în ce mai blazată atât a artei înalte, cât și a rapului mainstream. Chiar dacă rapează despre albirea anală și modelele din New York „sete de faimă”, obsesia lui de a obține legitimitate în domeniul artei a generat unele dintre cele mai interesante fuziuni de artă, modă și muzică din ultimii ani.

Când Koons l-a cunoscut pe Gaga, l-a cunoscut pe Botticelli

Desigur, ar fi imposibil să discutăm despre recentele colaborări pop/high art fără a menționa versiunea subevaluată a lui Lady Gaga, ARTPOP din 2013. Coperta albumului a prezentat o colaborare proeminentă cu Jeff Koons, cu piese fracturate din Nașterea lui Venus (1484-6) a lui Botticelli îmbinate în fundal.

Artă de album pentru ARTPOP (2013).

În interviuri, Gaga pare să fie foarte articulat cu privire la subiectul proceselor și influențelor artistice.

Ea citează Scrisorile lui Rilke către un tânăr poet drept a sursă majoră de inspirație artistică și are un citat al lui despre necesitatea de a face artă tatuată pe antebrațul ei stâng. Cu ARTPOP, intenția ei a fost să face o punte între lumea pop și a artei în moduri pe care cultura de masă nu le-a mai văzut până acum.

Cântecele ei puternice și unice, precum Artpop și Venus și-au realizat scopul. Cu toate acestea, vânzările au fost slabe. Criticii s-au întrebat dacă ea „jocul de artă” a fost la fel de puternic ca priceperea ei de marketing, cu câteva cântece prea literale precum „Donatella” și „Fashion”.

Clădire moștenire

Moștenirea artistică este în mod clar noul cuvânt de ordine al pop. Totuși, vedetele pop de astăzi ar putea dori să-i acorde atenție lui Aristotel, ale cărui observații despre procesul de creație artistică încă sună adevărate. „Scopul artei”, a scris el, „este să reprezinte nu înfățișarea exterioară a lucrurilor, ci semnificația lor interioară”.

Istoria ne învață că multe experimente artistice înfloresc și se estompează. Adevărații artiști ai zilelor noastre (indiferent de mediu) creează lucrări care se conectează cu complexitățile sufletului uman în moduri pe care materialismul grosier și personalismul nu pot.

Nici o cantitate de referință sau postură artistică nu va lua locul lucrării originale, inspirate și de cercetare sufletească.

Despre autor

Blair McDonald, lector în jurnalism, comunicații și noi media, Thompson Rivers University

Acest articol a fost publicat inițial Conversaţie. Citeste Articol original.

Cărți conexe

at InnerSelf Market și Amazon